Архитектура и стили

Печать

Стилевые направления в архитектуре и интерьерах

1. Архитектура – (лат. architectura от др.-греч. ἀρχι — старший, главный и τέκτων — строитель, плотник) — комплекс знаний о художественно-пространственном проектировании зданий и сооружений. В современном понимании архитектура является разновидностью дизайна, в области проектирования помещений, комплексов помещений, зданий, сооружений, комплексов зданий и сооружений, а так же населенных пунктов и комплексов населенных пунктов, основным предназначением которых является обеспечение различных потребностей человек.

По словам древнеримского архитектора Витрувия, архитектура основывается на трёх началах: лат. firmitas — прочность, лат. utilitas — польза и лат. venustas — красота (т. н. Триада Витрувия). (Стоит заметить, что в парадигме современной эстетики слово «красота» носит характер индивидуалистического отношения человека к рассматриваемому объекту или явлению — поэтому такая формулировка считается устаревшей.) По его мнению все это лежит в определённом гармоническом отношении к пропорциям человеческого тела. Много позже (в XV веке) Альберти добавил четвёртое начало — целесообразность, которую можно, впрочем, определить и как производную от первых трёх составляющих.

В современном понимании главенствующей задачей архитектуры стала целесообразность. На слова Витрувия любят ссылаться преподаватели архитектурных факультетов, не имеющие достаточного количества знаний о современной эстетике, а так же другие люди не занимающиеся проектированием на практике. Ссылка на слова Витрувия — это определенного рода популизм, призванный объяснить задачу решаемую архитектором в наиболее простых словах.

Основные области архитектуры

2. Дизайн интерьера Интерье́р (фр. intérieur — внутренний) — архитектурно и художественно оформленное внутреннее пространство здания, обеспечивающее человеку благоприятные условия жизнедеятельности; внутреннее пространство здания или отдельного помещения, архитектурное решение которого определяется его функциональным назначением.

В основе дизайна интерьера лежит синтез прагматических и художественных идей и решений, направленных на улучшение условий существования человека в целостной эстетически совершенной форме. Интерьер складывается из трёх составляющих:

3. Стилевые направления.

Архитектурный стиль — это совокупность основных черт и признаков архитектуры определённого времени и места, проявляющихся в особенностях её функциональной, конструктивной и художественной сторон (приёмы построения планов и объёмов композиций зданий, строительные материалы и конструкции, формы и отделка фасадов, декоративное оформление интерьеров; входит в общее понятие стиля как художественного мировоззрения, охватывающего все стороны искусства и культуры общества в определённых условиях его социального и экономического развития; совокупность главных идейно-художественных особенностей творчества мастера.

Романский стиль - (от лат. romanus — римский) — художественный стиль, господствовавший в Западной Европе (а также затронувший некоторые страны Восточной Европы) в X—XII веках (в ряде мест — и в XIII в.), один из важнейших этапов развития средневекового европейского искусства. Наиболее полно выразился в архитектуре.

Термин «романский стиль» появился в начале XIX века, когда была установлена связь архитектуры XI—XII веков с древнеримской архитектурой (в частности, использование полуциркульных арок, сводов). В целом, термин условен и отражает лишь одну, не главную, сторону искусства. Однако он вошёл во всеобщее употребление. Основной вид искусства романского стиля — архитектура, преимущественно церковная (каменный храм, монастырские комплексы).

Для романских построек характерно сочетание ясного архитектурного силуэта и лаконичности наружной отделки — здание всегда гармонично вписывалось в окружающую природу, и поэтому выглядело особенно прочным и основательным. Этому способствовали массивные стены с узкими проёмами окон и ступенчато-углубленными порталами.

Основными постройками в этот период становятся храм-крепость и замок-крепость. Главным элементом композиции монастыря или замка становится башня — донжон. Вокруг неё располагались остальные постройки, составленные из простых геометрических форм — кубов, призм, цилиндров.

Готика - период в развитии средневекового искусства, охватывающий почти все области материальной культуры и развивающийся на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы с XII по XV век. Готика пришла на смену романскому стилю, постепенно вытесняя его. Хотя термин «готический стиль» чаще всего применяется к архитектурным сооружениям, готика охватывала также скульптуру, живопись, книжную миниатюру, костюм, орнамент и т. д.

Готический стиль, в основном, проявился в архитектуре храмов, соборов, церквей, монастырей. Развивался на основе романской, точнее говоря — бургундской архитектуры. В отличие от романского стиля, с его круглыми арками, массивными стенами и маленькими окнами, для готики характерны арки с заострённым верхом, узкие и высокие башни и колонны, богато украшенный фасад с резными деталями (вимперги, тимпаны, архивольты) и многоцветные витражные стрельчатые окна. Все элементы стиля подчёркивают вертикаль.

В готической архитектуре выделяют 3 этапа развития: ранний, зрелый (высокая готика) и поздний (пламенеющая готика).

Церковь монастыря Сен-Дени, созданная по проекту аббата Сугерия, считается первым готическим архитектурным сооружением. При её постройке были убраны многие опоры и внутренние стены, и церковь приобрела более грациозный облик по сравнению с романскими «крепостями бога». В качестве образца в большинстве случаев принимали капеллу Сент-Шапель в Париже.

Из Иль-де-Франс (Франция) готический архитектурный стиль распространился в Западную, Среднюю и Южную Европу — в Германию, Англию и т. д. В Италии он господствовал недолго и быстро уступил место Ренессансу; а поскольку он пришёл сюда из Германии, то до сих пор называется «stile tedesco» — немецкий стиль.

С приходом в начале XVI века Ренессанса севернее и западнее Альп, готический стиль утратил своё значение.

Почти вся архитектура готических соборов обусловлена одним главным изобретением того времени — новой каркасной конструкцией, что и делает эти соборы легко узнаваемыми.

Архитектура Возрождения — период  развития архитектуры в европейских странах с начала XV до начала XVII века, в общем течении Возрождения и развития основ духовной и материальной культуры Древней Греции и Рима. Этот период является переломным моментом в Истории Архитектуры, в особенности по отношению к предшествующему архитектурному стилю, к Готике. Готика в отличие от архитектуры Возрождения искала вдохновение в собственной интерпретации Классического искусства.

Особенное значение в этом направлении придаётся формам античной архитектуры: симметрии, пропорции, геометрии и порядку составных частей, о чём наглядно свидетельствуют уцелевшие образцы римской архитектуры. Сложная пропорция средневековых зданий сменяется упорядоченным расположением колонн, пилястр и притолок, на смену несимметричным очертаниям приходит полукруг арки, полусфера купола, ниши, эдикулы.

Развитие Архитектуры Возрождения привело к нововведениям в использовании строительных техник и материалов, к развитию архитектурной лексики. Важно отметить, что движение возрождения характеризуется отходом от анонимности ремесленников и появлением персонального стиля у архитекторов. Известно немного мастеров построивших произведения в романском стиле, также как и архитекторов, соорудивших великолепные готические соборы. В то время как произведения эпохи Возрождения, даже небольшие здания или просто проекты были аккуратно задокументированы с самого своего появления.

Первым представителем данного направления можно назвать Филиппо Брунеллески, работавшего во Флоренции, городе, наряду с Венецией считающимся памятником Возрождения. Затем оно распространилось в другие итальянские города, во Францию, Германию, Англию, Россию и другие страны.

Барокко - Для архитектуры барокко характерны пространственный размах, слитность, текучесть сложных, обычно криволинейных форм. Часто встречаются развернутые масштабные колоннады, изобилие скульптуры на фасадах и в интерьерах, волюты, большое число раскреповок, лучковые фасады с раскреповкой в середине, рустованные колонны и пилястры. Купола приобретают сложные формы, часто они многоярусны, как у собора Св. Петра в Риме. Характерные детали барокко — теламон (атлант), кариатида, маскарон.

В итальянской архитектуре самым видным представителем барокко искусства был Карло Мадерна (1556—1629 гг.), который порвал с маньеризмом и создал свой собственный стиль. Его главное творение — фасад римской церкви Санта-Сусанна (1603 г.). Основной фигурой в развитии барочной скульптуры был Лоренцо Бернини, чьи первые исполненные в новом стиле шедевры относятся приблизительно к 1620 г. Бернини также архитектор. Ему принадлежит оформление площади собора Св. Петра в Риме и интерьеры, а также другие строения. Значительный вклад оставили Д.Фонтана, Р.Райнальди, Г.Гварини, Б. Лонгена, Л. Ванвителли, П. да Кортона. На Сицилии после крупного землетрясения 1693 года появился новый стиль позднего барокко — сицилийское барокко.

Квинтэссенцией барокко, впечатляющим слиянием живописи, скульптуры и архитектуры считается капелла Коранаро в церкви Санта-Мария-делла-Витториа (1645—1652 гг.).

Стиль барокко получает распространение в Испании, Германии, Бельгии (тогда Фландрии), Нидерландах, России, Франции, Речи Посполитой. Испанское барокко, или по местному чурригереско (в честь архитектора Чурригеры), распространившееся также в Латинской Америке. Наиболее популярный памятник его — собор в Сантьяго-де-Компостела, является также одним из наиболее почитаемых верующими храмов Испании. В Латинской Америке барокко смешалось с местными архитектурными традициями, это — самый вычурный его вариант, и называют его ультрабарокко.

Во Франции стиль барокко выражен скромнее, чем в других странах. Раньше считалось, что здесь стиль вообще развития не получил, и памятники барокко считались памятниками классицизма. Иногда употребляют термин «барочный классицизм» применительно к французскому и английскому вариантам барокко. Сейчас к французскому барокко причисляют Версальский дворец вместе с регулярным парком, Люксембургский дворец, здание Французской Академии в Париже и др. произведения. Они действительно имеют некоторые черты классицизма. Характерной чертой стиля барокко является регулярный стиль в садово-парковом искусстве, примером которого является Версальский парк.

Позже, в начале 18 в. французы выработали свой стиль, разновидность барокко — рококо. Он проявился не во внешнем оформлении зданий, а только в интерьерах, а также в оформлении книг, в одежде, мебели, живописи. Стиль был распространен повсюду в Европе и в России.

В Бельгии выдающимся памятником барокко является ансамбль Гранд-Плас в Брюсселе. Черты барокко имеет дом Рубенса в Антверпене, построенный по собственному проекту художника.

В России барокко появляется еще в XVII веке («нарышкинское барокко», «голицынское барокко»). В XVIII веке в правление Петра I получает развитие в Санкт-Петербурге и пригородах в творчестве Д. Трезини — так называемое «петровское барокко» (более сдержанное), и достигает расцвета в правление Елизаветы Петровны творчестве С. И. Чевакинского и Б. Растрелли.

В Германии выдающимся памятником барокко является Новый дворец в Сан-Суси (авторы — И. Г. Бюринг, Х. Л. Мантер) и Летний дворец там же (Г. В. фон Кнобельсдорф).

Самые крупные и знаменитые ансамбли барокко в мире: Версаль (Франция), Петергоф (Россия), Аранхуэс (Испания), Цвингер (Германия), Шёнбрунн (Австрия).

В Великом княжестве Литовском получили распространение стили сарматское барокко и виленское барокко, крупнейший представитель - Ян Кристоф Глаубиц. Среди его известных проектов - перестроенные Костёл Вознесения Господня (Вильнюс), Софийский собор (Полоцк) и др.

Русская архитектура (Псевдорусский стиль) - следует за традицией, корни которой были установлены еще в Византии, а затем в Киевской Руси. После падения Киева российская архитектурная история продолжалась в княжествах Владимира-Суздаля, Новгородской и Псковской республиках, Русского царства, Российской империи, Советского Союза и современной Российской Федерации.

Покровский собор (Храм Василия Блаженного) (1555-61) Памятник русской средневековой архитектуры, украшает собой главную площадь Российской Федерации — Красную площадь. Золотые ворота во Владимире — были воздвигнуты в 1164 и реконструированны в 1795. Церковь Покрова́ на Нерли (Покров на Нерли, XII век) — храм во Владимирской области России, выдающийся памятник владимиро-суздальской школы, считается одним из самых совершенных храмов России.

Псевдорусский стиль является общим условным названием совокупности ряда течений в русской архитектуре, возникших во второй четверти XIX века и представляющих собой синтез традиций древнерусского и русского зодчества, а также ассоциируемых с ними элементов византийской архитектуры.

Псевдорусский стиль возник в рамках общеевропейского подъема интереса к национальной архитектуре, и представляет собой интерпретацию и стилизацию русского архитектурного наследия. Представляя собой искусную стилизацию, псевдорусский стиль последовательно сочетался с другими стилями — от архитектурного романтизма первой половины XIX в. до стиля модерн. Храм Христа Спасителя — пример русско-византийского стиля.

Рококо - (фр. rococo, от фр. rocaille — декоративная раковина, ракушка, рокайль), реже рококо — стиль в искусстве (в основном, в дизайне интерьеров), возникший во Франции в первой половине XVIII века (во время регентства Филиппа Орлеанского) как развитие стиля барокко. Характерными чертами рококо являются изысканность, большая декоративная нагруженность интерьеров и композиций, грациозный орнаментальный ритм, большое внимание к мифологии, эротическим ситуациям, личному комфорту. Наивысшее развитие в архитектуре стиль получил в Баварии.

Архитектурный (точнее — декоративный) стиль рококо появился во Франции во времена регентства (1715—1723) и достиг апогея при Людовике XV, перешёл в другие страны Европы и господствовал в ней до 1780-х годов. Стиль рококо был продолжением стиля барокко или, точнее сказать, его видоизменением, соответствовавшим жеманному, вычурному времени. Он не внёс в архитектуру никаких новых конструктивных элементов, но пользовался старыми, не стесняя себя при их употреблении никакими традициями и имея в виду, главным образом, достижение декоративной эффектности.

Отбросив холодную парадность, тяжёлую и скучную напыщенность искусства времён Людовика XIV и итальянского барокко, архитектура рококо стремится быть лёгкой, приветливой, игривой во что бы то ни стало; она не заботится ни об органичном сочетании и распределении частей сооружения, ни о целесообразности их форм, а распоряжается ими с полным произволом, доходящим до каприза, избегает строгой симметричности, без конца варьирует расчленения и орнаментальные детали и не скупится расточать последние. В созданиях этой архитектуры прямые линии и плоские поверхности почти исчезают или, по крайней мере, замаскировываются фигурной отделкой; не проводится в чистом виде ни один из установленных ордеров; колонны то удлиняются, то укорачиваются и скручиваются винтообразно; их капители искажаются кокетливыми изменениями и прибавками, карнизы помещаются над карнизами; высокие пилястры и огромные кариатиды подпирают ничтожные выступы с сильно выдающимся вперёд карнизом; крыши опоясываются по краю балюстрадами с флаконовидными балясинами и с помещёнными на некотором расстоянии друг от друга постаментами, на которых расставлены вазы или статуи; фронтоны, представляя ломающиеся выпуклые и впалые линии, увенчиваются также вазами, пирамидами, скульптурными фигурами, трофеями и другими подобными предметами. Всюду, в обрамлении окон, дверей, стенных пространств внутри здания, в плафонах, пускается в ход затейливая лепная орнаментация, состоящая из завитков, отдалённо напоминающих собой листья растений, выпуклых щитов, неправильно окруженных такими же завитками, из масок, цветочных гирлянд и фестонов, раковин, необделанных камней (рокайль) и т. п. Несмотря на такое отсутствие рациональности в пользовании архитектоническими элементами, на такую капризность, изысканность и обременённость форм, стиль рококо оставил много памятников, которые доныне прельщают своей оригинальностью, роскошью и весёлой красотой, живо переносящими нас в эпоху румян и белил, мушек и пудреных париков (отсюда немецкие названия стиля: Perückenstil, Zopfstil).

Классицизм - Главной чертой архитектуры классицизма было обращение к формам античного зодчества как к эталону гармонии, простоты, строгости, логической ясности и монументальности. Архитектуре классицизма в целом присуща регулярность планировки и четкость объемной формы. Основой архитектурного языка классицизма стал ордер, в пропорциях и формах близкий к античности. Для классицизма свойственны симметрично-осевые композиции, сдержанность декоративного убранства, регулярная система планировки городов.

Архитектурный язык классицизма был сформулирован на исходе эпохи Возрождения великим венецианским мастером Палладио и его последователем Скамоцци. Принципы античного храмового зодчества венецианцы абсолютизировали настолько, что применяли их даже при строительстве таких частных особняков, как вилла Капра. Иниго Джонс перенёс палладианство на север, в Англию, где местные архитекторы-палладианцы с разной степенью верности следовали заветам Палладио вплоть до середины XVIII века.

Наиболее значительные интерьеры в стиле классицизма были разработаны шотландцем Робертом Адамом, вернувшимся на родину из Рима в 1758 году. Огромное впечатление на него произвели как археологические изыскания итальянских учёных, так и архитектурные фантазии Пиранези. В трактовке Адама классицизм представал стилем, по изысканности интерьеров едва ли уступавшим рококо, что снискало ему популярность не только у демократически настроенных кругов общества, но и среди аристократии. Подобно своим французским коллегам, Адам проповедовал полный отказ от деталей, лишённых конструктивной функции.

Француз Жак-Жермен Суффло при строительстве в Париже церкви Сен-Женевьев продемонстрировал способность классицизма организовывать обширные городские пространства. Массивное величие его проектов предвещало мегаломанию наполеоновского ампира и позднего классицизма. В России в одном направлении с Суффло двигался Баженов. Французы Клод-Никола Леду и Этьен-Луи Булле пошли даже дальше в сторону разработки радикального визионёрского стиля с уклоном в абстрактную геометризацию форм. В революционной Франции аскетический гражданский пафос их проектов был мало востребован; в полной мере новаторство Леду оценили только модернисты XX века.

Эстетика классицизма благоприятствовала масштабным градостроительным проектам и приводила к упорядочиванию городской застройки в масштабах целых городов. В России практически все губернские и многие уездные города были перепланированы в соответствии с принципами классицистического рационализма. В подлинные музеи классицизма под открытым небом превратились такие города, как Санкт-Петербург, Хельсинки, Варшава, Дублин, Эдинбург и ряд других. На всём пространстве от Минусинска до Филадельфии господствовал единый архитектурный язык, восходящий к Палладио. Рядовая застройка осуществлялась в соответствии с альбомами типовых проектов.

Псевдоготика - Псевдоготика, ложная готика или русская готика — предромантическое направление в русской архитектуре екатерининской эпохи, основанное на вольном сочетании элементов европейской готики и московского барокко с гротескными привнесениями работавших в этом стиле архитекторов, нередко насыщенными масонской символикой. После смерти Екатерины II развитие русской готики шло параллельно со становлением неоготического направления в архитектуре Западной Европы, но, в отличие от неоготики, с подлинным средневековым зодчеством русская готика имеет мало общего.

Архитектурный язык русской готики, как считается, изобрел В. И. Баженов при строительстве Царицынского дворца (начиная с 1776 года). Здесь сразу бросается в глаза отличие от монохромной европейской готики — широкое использование красного кирпича с белокаменными деталями — сочетание, вызывающее в памяти башни Московского Кремля и церкви нарышкинского барокко. Помимо царицынских построек, Баженову также приписывается мнимоготическая Владимирская церковь в усадьбе Быково (1789).

После того, как императрица забраковала баженовский проект, строительные работы в Царицыне продолжил М. Ф. Казаков. Ему же принадлежит в Москве псевдоготический «Петровский замок» и, по всей видимости, усадебный дом А. П. Ермолова в Красном под Рязанью. Его брат Родион Казаков строил соборный храм Зачатьевского монастыря и, возможно, Никольский собор в Можайске — первые попытки наложения готического декора на традиционную для православия форму крестово-купольного храма.

При петербургском дворе в одно время с Баженовым мотивы готического зодчества разрабатывал Ю. М. Фельтен. Постройки Фельтена в космополитичной северной столице — Чесменский дворец и церковь при нём, церковь Рождества Иоанна Предтечи на Каменном острове — далеки от заветов московского барокко и ближе к ранним образцам европейской неоготики. Впрочем, неподготовленный зритель вряд ли уловит в постройках Екатерины и её придворных что-либо, напоминающее западноевропейское средневековье.

Ампир - (от франц. empire — империя), стиль в архитектуре и искусстве (главным образом декоративном) трёх первых десятилетий 19 в., завершающий эволюцию классицизма. Ориентируясь, как и классицизм, на образцы античного искусства, А. включил в их круг художественное наследие архаической Греции и имперского Рима, черпая из него мотивы для воплощения величественной мощи и воинской силы: монументальные формы массивных портиков (преимущественно дорического и тосканского ордеров), военную эмблематику в архитектурных деталях и декоре (ликторские связки, воинские доспехи, лавровые венки, орлы и т. п.). А. включил в себя также отдельные древнеегипетские архитектурные и пластические мотивы (большие нерасчленённые плоскости стен и пилонов, массивные геометрические объёмы, египетский орнамент, стилизованные сфинксы и т. и.). А. сложился в недрах классицизма, в котором поиски изящной простоты форм и декора постепенно сменяются стремлением к их предельной лапидарности и монументальной выразительности. Крайним проявлением этой тенденции был проникнутый гражданским пафосом суровый аскетизм проектов К. Н. Леду и ряда архитекторов эпохи Великой французской революции. Выдвинутые ими новые градостроительные и художественные идеи стали основой развития А., получая в различных странах истолкование, продиктованное местными особенностями общественной и политической жизни. В период империи Наполеона I целям прославления успехов государства служила мемориальная архитектура (триумф, арки, памятные колонны), иногда повторявшая древнеримские образцы (арка на площади Каррузель в Париже, 1806, архитекторы Ш. Персье и П. Фонтен, — повторение арки Септимия Севера в Риме). В отделке нарочито парадных интерьеров дворцов (Мальмезон, Фонтенбло, Богарне и др. ), перестроенных Персье и Фонтеном для императорского двора и новой знати, мотивы египетских рельефов, этрусских ваз, помпейских росписей, греческого и римского декора, ренессансных фресок и орнаментов созвучны ампирной мебели Ф. О. Жакоба и бронзовым изделиям П. Ф. Томира, стилизованным в духе предметов обстановки богатого древнеримского жилого дома. А. получил самобытные национальные черты в Великобритании, Дании, Италии; в России и в Германии он стал выразителем идей государственной независимости, которую народы этих стран отстаивали в антинаполеоновских войнах. Русский А. дал мирового значения образцы градостроительных решений (ансамбли Ленинграда, архитектор К. И. Росси), общественных сооружений (Адмиралтейство, 1806—23, архитектор А. Д. Захаров, и Горный институт, 1806, архитектор А. Н. Воронихин, — в Ленинграде), произведения монументальной скульптуры (памятник Минину и Пожарскому в Москве, 1804—18, скульптор И. П. Мартос) и прикладного искусства ("Гурьевский сервиз", 1809—18, Императорский фарфоровый завод в Петербурге). Черты интимности и лиризма присущи московским особнякам в стиле А., построенным архитектором А. Г. Григорьевым (дома Селезневой, 1814, ныне Музей А. С. Пушкина, и Станицкой, 1817—22, ныне Музей Л. Н. Толстого), с их удобно расположенными и уютными интерьерами.

А. сменился различными эклектичными течениями, знаменовавшими собой кризис художественной системы классицизма.

Эклектика - (эклектизм, историзм) в архитектуре — направление в архитектуре, доминировавшее в Европе и России в 1830-е-1890-е гг.

Использование элементов так называемых «исторических» архитектурных стилей (неоренессанс, необарокко, неорококо, неоготика, неомавританский стиль, неовизантийский стиль, псевдорусский стиль, индо-сарацинский стиль) называют эклектикой в советской и российской практике. В зарубежном искусствоведении употребляются не несущие негативной окраски термины романтизм (для второй четверти XIX века) и боз-ар (для второй половины XIX века). Эклектике присущи, с одной стороны, все черты европейской архитектуры XV—XVIII веков, а с другой — в ней есть принципиально другие свойства. Эклектика сохраняет архитектурный ордер (в отличие от модерна, не использующего ордер), но в ней он утратил свою исключительность.

Формы и стили здания в эклектике привязаны к его функции. Так, в российской практике, русский стиль К. А. Тона стал официальным стилем храмостроительства, но практически не применялся в частных постройках. Эклектика «многостильна» в том смысле, что постройки одного периода базируются на разных стилевых школах в зависимости от назначения зданий (храмы, общественные здания, фабрики, частные дома) и от средств заказчика (сосуществуют богатый декор, заполняющий все поверхности постройки, и экономная «краснокирпичная» архитектура). В этом принципиальное отличие эклектики от ампира, диктовавшего единый стиль для построек любого типа.

«Пусть совокупится более различных вкусов. Пусть в одной и той же улице возвышается и мрачно готическое, и обременённое роскошью украшений восточное, и колоссальное, египетское, и проникнутое стройным размером греческое…Пусть как можно реже дома сливаются в одну ровную, однообразную стену…» — Н. В. Гоголь, «Об архитектуре нынешнего времени», 1831

Эклектика прошла два этапа в развитии — 1830-е—1860-е гг. и 1870-е—1890-е гг.; в России естественно разделение на «николаевский» и «александровский» этапы. За этим делением стоит не столько различие в политических режимах, сколько социальная эволюция общества России и Европы в целом, возникновение нового класса заказчиков и новых функций архитектуры.

Крупнейшие мастера эклектики в российской архитектуре:

 

Модерн - (от фр. moderne — современный), ар-нуво (фр. art nouveau, букв. «новое искусство»), югендштиль (нем. Jugendstil — «молодой стиль») — художественное направление в искусстве, наиболее популярное во второй половине XIX — начале XX века. Его отличительными особенностями являются: отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, интерес к новым технологиям (в особенности, в архитектуре), расцвет прикладного искусства. Модерн стремился сочетать художественные и утилитарные функции создаваемых произведений, вовлечь в сферу прекрасного все сферы деятельности человека. В других странах называется также: «тиффани» (по имени Л. К. Тиффани) в США, «ар-нуво» и «fin de siècle» (букв. «конец века») во Франции, «югендстиль» (точнее, «югендштиль» — нем. Jugendstil, по названию основанного в 1896 году иллюстрированного журнала Die Jugend) в Германии, «стиль Сецессион» (Secessionsstil) в Австрии, «модерн стайл» (modern style, букв. «современный стиль») в Англии, «стиль либерти» в Италии, «модернизмо» в Испании, «Nieuwe Kunst» в Голландии, «еловый стиль» (style sapin) в Швейцарии.

Как и ряд других стилей, архитектуру модерна отличает также стремление к созданию одновременно и эстетически красивых, и функциональных зданий. Большое внимание уделялось не только внешнему виду зданий, но и интерьеру, который тщательно прорабатывался. Все конструктивные элементы: лестницы, двери, столбы, балконы — художественно обрабатывались.

Одним из первых архитекторов, работавших в стиле модерн, был бельгиец Виктор Орта. В своих проектах он активно использовал новые материалы, в первую очередь, металл и стекло. Несущим конструкциям, выполненным из железа, он придавал необычные формы, напоминающие какие-то фантастические растения. Лестничные перила, светильники, свисающие с потолка, даже дверные ручки — все тщательно проектировалось в едином стиле. Во Франции идеи модерна развивал Эктор Гимар, создавший, в том числе, входные павильоны парижского метро.Ещё дальше от классических представлений об архитектуре ушёл Антонио Гауди. Здания, сооруженные им, настолько органически вписываются в окружающий пейзаж, что кажутся делом рук природы, а не человека.

В России одним из наиболее заметных и типичных памятников модерна является Дом компании «Зингер» (сечас "Дом Книги") на Невском проспекте в Санкт-Петербурге. С одной стороны, здание не связано с окружающим ансамблем, что считается градостроительной ошибкой, с другой стороны, это пример удачной планировки в сложных условиях затесненного участка (1902—1904, арх. П. Ю. Сюзор). Другой яркий пример — магазин Елисеева, расположенный неподалёку (1902—1903, арх. Г. В. Барановский). К памятникам русского модерна относятся гостиница «Астория» в Петербурге (Ф. И. Лидваль 1913—1914). В Петербурге среди вокзалов в этом плане выделяется Витебский (автор — Бржозовский С. А.).

Яркими примерами московского модерна являются знаменитые особняки Рябушинского и Дерожинской работы Ф. О. Шехтеля, особняк Миндовского и собственный дом архитектора Л. Н. Кекушева, доходный дом М. В. Сокол архитектора И. П. Машкова. Множество так называемых "доходных домов" начало века построены в стиле модерн.

Несмотря на важность архитектурных памятников эпохи модерн для истории архитектуры и культуры России в целом, на данный момент не существует ни одного полноценного музея, посвященного этому стилю. Более того, нет ни одного крупного музея, посвященного самым ярким представителям московского модерна - Ф. Шехтелю и Л. Кекушеву. Многие здания недоступны не только для гражданских лиц, но и для научнных сотрудников, основная причина заключается в том, что многие здания отданы, например, посольствам. Десятки зданий находятся на грани разрушения, поскольку по каким-либо причинам не занесены в реестр охраняемых государством памятников (последний крупный скандал связан с пожаром в доходном доме работы Кекушева; здание долгое время было заброшено, по некоторым данным было незаконно заселено приезжими рабочими из Ближнего Зарубежья).

Выдающимися произведениями модерна являются Ярославский вокзал (автор — Ф. О. Шехтель), и другие вокзалы Москвы, ЦУМ (б. «Мюр и Мерилиз») и гостиница «Метрополь» в Москве, и многие другие. . В Москве работал целый ряд архитекторов, Ф. О. Шехтель, Клейн Р. И., Фомин И. В., Щусев А. В., Тон К. А., которые и создали ответвление стиля, называемое московским модерном.

Одним из крупнейших в России специалистов в области архитектуры модерна в настоящее время является М. В. Нащокина — доктор искусствоведения, ведущий научный сотрудник и заведующая отделом архитектуры Нового времени Научно-исследовательского института теории архитектуры и градостроительства (НИИТАГ), советник Российской академии архитектуры и строительных наук.

В современной застройке Петербурга могут быть выявлены переосмысленные заново элементы архитектуры модерна.

Город – сад - градостроительная концепция, возникшая в начале XX века. В начале XX века в мировой градостроительной практике повсеместной популярностью стали пользоваться идеи англичанина Эбинера Говарда. В 1902 году книга Говарда «Города-сады будущего» разошлась по всему миру миллионными тиражами. Автор предлагал принципиально новые схемы градостроительства. При этом в книге были даны подробные графические планы-схемы, по которым предлагалось создавать новые городские пространства.

«Город-сад» рассматривался как образец нового города, где планомерно устроенное поселение располагалось на дешевой земле, принадлежащей общине. В основе было стремление создать для малообеспеченного населения здоровые социально-бытовые условия в несколько обособленных полудеревенских, пригородных поселках. Предполагалось располагать их преимущественно на пустырях и окраинах.

Социальной подоплекой дезурбанистического расселения в городах-садах был протест против плохих условий жизни в крупнейших европейских городах с их скученностью, антисанитарией и прочими пороками.

Город – сад в Барнауле - В 1914 году в газете «Жизнь Алтая» была опубликована статья «Города будущего, города-сады». В статье достаточно подробно излагалось содержание книги Э. Говарда «Город будущего». Автора статьи увлекла идея англичанина создать проект жизнеустройства, в котором бы сочетались все положительные стороны жизни как города, так и деревни. В 1915 году в Барнауле был открыт филиал русского общества городов-садов. Председателем общества стал управляющий алтайской железной дорогой А.М. Ларионов, заместителем – А.И. Петров. После пожара 2 мая 1917 года в Барнауле встал вопрос обеспечения жильем погорельцев. Через несколько месяцев, 23 октября 1917 года Барнаульская городская дума утвердила план сада-города, разработанный с участием архитектора Ивана Носовича. В его основе была идея возведения для пострадавших от пожара оригинального городка.

Неоклассици́зм — термин, применяемый в российском искусствоведении для обозначения художественных явлений последней трети XIX и XX веков, которым присуще обращение к традициям искусства античности, искусства эпохи Возрождения или классицизма (в музыке — также и эпохи барокко). В зарубежном искусствоведении неоклассицизмом называют классицизм в архитектуре и изобразительном искусстве второй половины XVIII — первой трети XIX веков, в отличие от классицизма более раннего периода.

Путаница в терминах. Классицизм и неоклассицизм

Путаница возникла из-за того, что во Франции классицизмом называют стиль XVII века, стиль Людовика XIV (Louis XIV). Под неоклассицизмом же понимают стиль второй половины XVIII века, стиль Людовика XVI (Louis XVI), то что в России (как и в Германии) традиционно называют классицизмом, период (1762—1840). Неоклассицизмом же в России и Германии называют ретроспективный стиль начала XX века.

Аналоги неоклассицизма в зарубежной практике — американский ренессанс и колониальное возрождение в США (1876—1914).

Неоклассика ставила широкомасштабную задачу: возродить и утвердить ансамблевую и стилевую целостность столицы, продолжить её развитие на уровне новейших достижений, но согласно заветам старины. Это содействовало подъему градостроительных идей, носивших преимущественно историческую окраску. В таком характере были выдержаны грандиозный план жилого района «Новый Петербург» на острове Голодай (И. А. Фомин, Ф. И. Лидваль) и конкурсные проекты монументального ансамбля общественных зданий на Тучковом буяне (И. А. Фомин, О. Р. Мунц, М. Х. Дубинский, С. С. Серафимов). «Проект преобразования С.-Петербурга» Ф. Е. Енакиева и Л. Н. Бенуа, сравнимый с генеральным планом, предусматривал всестороннюю реконструкцию города и его инфраструктуры с прокладкой новых улиц и транспортных артерий. Осуществлению этих предложений помешала Первая мировая война.

В начале XX века были почти полностью заново застроены вся Петроградская сторона, многие кварталы на Васильевском острове и в левобережных районах. Образцовой улицей этого времени стал Каменноостровский проспект — «экспозиция» лучших произведений модерна и неоклассицизма. На Невском проспекте и в прилегающих кварталах окончательно сформировался район «петербургского сити». Город обретал новые черты столичной импозантности и европейского лоска. Но революционные потрясения трагически разломили его судьбу.

Неоклассицизм — по сути дела, первое в истории петербургской архитектуры крупное стилевое направление, основное на собственном наследии — перешагнул через рубеж 1917 г. и продолжал развиваться в совершенно иных условиях вплоть до середины 1920-х гг., когда уступил место авангарду. Уроки неоклассики начала столетия оказались чрезвычайно плодотворными и перспективными не только для советской традиционалистской архитектуры 1930—1950-х гг.; они вновь обрели актуальность в настоящее время.

«Дом Антоновой» Большой проспект Петроградской стороны, 74. 1912 — 1913, неоклассицизм, арх. В. В. Шауб. «Дом с башнями» на площади Льва Толстого в Санкт-Петербурге (Каменноостровский проспект, 35 / Большой проспект Петроградской стороны, 75): 1913 — 1915, ретроспективизм, арх. К. И. Розенштейн и А. Е. Белогруд.

Экспрессиони́зм - (от лат. expressio, «выражение») — авангардистское течение в европейском искусстве, получившее развитие в конце XIX — начале XX века, характеризующееся тенденцией к выражению эмоциональной характеристики образа(ов) (обычно человека или группы людей) или эмоционального состояния самого художника. Экспрессионизм представлен во множестве художественных форм, включая живопись, литературу, театр, кинематограф, архитектуру и музыку.

Крупнейшие представители — Эрих Мендельсон - Башня Эйнштейна в потсдамском районе Бабельсберг, Дом Моссе в Берлине, Силовая станция текстильной фабрики «Красное знамя», Санкт-Петербург.

Финны Эро Сааринен и Алвар Аалто - Его аэропорты сравнивали с летящими птицами, стадионы — с восточными храмами. В поисках нового экспрессионизма Сааринен провозгласил, что «в нашей деятельности за всякой логической целью кроется эмоциональная первопричина». Пропагандировал использование нетрадиционных материалов, таких как керамика и алюминий. Использовал перекрытия-оболочки: здание терминала TWA в аэропорту Кеннеди, хоккейный стадион Йельского университета, главное здание аэропорта Вашингтона.

Основные работы — Смитсоновский институт в Вашингтоне, хоккейный каток Йельского университета, посольство США в Лондоне, аэропорт им. Даллеса близ Вашингтона. Сааринен способствовал продвижению карьеры таких видных архитекторов, как Йорн Утзон и Роберт Вентури.

Йорн Утзон - Во время международного конкурса на строительство Оперного театра в Сиднее (1957) великий Эро Сааринен настоял на том, чтобы победителем был объявлен экспрессивный проект, представленный малоизвестным Утзоном. Архитектор объяснял, что на создание проекта его вдохновили полусферические очистки апельсина, из которых можно составить полную сферу.Помимо Сиднейского оперного театра Утзоном был осуществлён ещё ряд построек, преимущественно в Дании. Среди его зарубежных работ — здание Национальной Ассамблеи Кувейта. Кроме того, в 2006 г. с участием королевы Елизаветы II была открыта пристроенная к зданию театра западная колоннада, спроектированная Утзоном в поздние годы без выезда в Австралию.

Модерни́зм - (итал. modernismo — «современное течение»; от лат. modernus — «современный, недавний») — направление в искусстве и литературе XX века, характеризующееся разрывом с предшествующим историческим опытом художественного творчества, стремлением утвердить новые нетрадиционные начала в искусстве, непрерывным обновлением художественных форм

Выражение «модернизм в архитектуре» употребляется часто как синоним термина «современная архитектура», но последний термин всё же шире. Модернизм в архитектуре охватывает творчество пионеров современной архитектуры и их последователей во временно́м промежутке с начала 1920-х годов и по 70-е—80-е годы (в Европе), когда в архитектуре возникли новые тенденции.

В специальной литературе термину «архитектурный модернизм» соответствуют английские термины «modern architecture», «modern movement» или же «modern», употребляемые в том же контексте. Выражение «модернизм» употребляется иногда как синоним понятия «современная архитектура»; или же как название стиля (в англоязычной литературе — «modern»).

Архитектурный модернизм включает такие архитектурные направления, как европейский функционализм 20-30-х годов, конструктивизм и рационализм в 20-х годах России, движение «баухауз» в Германии, архитектурный ар-деко стиль, интернациональный стиль, брутализм, органическая архитектура. Таким образом, каждое из этих явлений — суть одна из ветвей общего дерева, архитектурного модернизма.

Кредо архитектурного модернизма заложено в самом его названии — это созидание нового, чего-то такого, что соответствовало бы сегодняшнему дню. То есть, присутствует принципиальная установка на новизну архитектуры, — как конструктивных и планировочных идей, закладываемых в проекте, так и внешних форм, которые, по мысли архитекторов-модернистов, должны исходить из достижений новых строительных технологий и насущных социальных задач. Образное выражение «призмы из бетона и стекла» хорошо передает общий характер построек модернизма.

Основные принципы архитектурного модернизма:

— использование самых современных строительных материалов и конструкций,

— рациональный подход к решению внутренних пространств (функциональный подход),

— отсутствие тенденций украшательства, принципиальный отказ от исторических реминисценций в облике сооружений,

— их «интернациональный» характер.

В своих истоках архитектурный модернизм основывался на новейших достижениях научно-технического и промышленного прогресса, а также на передовых социально-реформаторских идеях своего времени. Социальные установки архитекторов-модернистов отличались, как правило, явным демократизмом, а то и левизной, — по крайней мере, во многих декларациях его теоретиков.

Стили-предшественники модернизма в архитектуре, так называемые «неостили», это: русский модерн, сецессион в Австрии, югендстиль в Германии, ар-нуво во Франции, а также неоклассицизм, развившийся позже повсеместно.

Последующий за модернизмом стиль — постмодернизм, основная черта которого это отказ от примата функции и возврат к использованию элементов традиционных исторических стилей.

Основные представители архитектурного модернизма — это пионеры современной архитектуры Фрэнк Ллойд Райт, Вальтер Гропиус, Рихард Нойтра, Людвиг Мис ван Дер Роэ, Ле Корбюзье, Алвар Аалто, Оскар Нимейер, а также некоторые другие.

Рационали́зм — советский авангардистский метод (стиль, направление) в архитектуре, получивший развитие в 1920-е — начале 1930-х годах. Характеризуется лаконичностью форм, строгостью и подчёркнутым функционализмом (cм. Функционализм). Идеологи рационализма, в отличие от конструктивистов, много внимания уделяли пс Рационализм известен (и реализован) гораздо хуже, чем современный ему конструктивизм, однако это не делает это направление менее интересным.

Основопложник стиля в России был Красовский, Аполлинарий Каэтанович.

В сфере архитектуры все будущие рационалисты прошли через неоклассику высокого художественного уровня (школа Ивана Жолтовского). Многие рационалисты были неплохими художниками и графиками, причём самых разных направлений — от стилистики «Мира искусства» до кубизма.

В 1920-е годы, в условиях бурной полемики между консервативными неоклассиками и новаторами, рационалисты заняли свою нишу гораздо раньше конструктивистов и были не столь радикальны, как последние.

Так, творческий лидер рационализма Н. Ладовский не отрицал полностью наработок прошлого, как это делали вожди конструктивизма. Напротив, он призывал изучать классическое наследие и ни в коей мере не ограничиваться только утилитарной функцией проектируемого здания.

Кроме того, главным пунктом в творческой программе рационализма было понятие «пространство». Н. Ладовский писал: «Архитектура — искусство, оперирующее пространством». Он отмечал, что архитектурно оформленное пространство (здание) всегда особым образом воспринимается человеком: психологические особенности восприятия также следует учитывать при строительстве.

В 1920 году состоялась выставка работ членов Живскульптарха, которую можно назвать первым публичным выступлением сторонников аванграда (их работы были явным образом противопоставлены неоклассике). Проекты Ладовского сделали его невероятно популярным в творческой среде.

В 1921—1922 годах велась работа по формированию творческой концепции рационализма. (Заметим, что конструктивизм в те годы ещё не оформился).

Рационалистов, как и их оппонентов конструктивистов, обвинили в «следовании буржуазным взглядам на архитектуру», «в утопичности их проектов», «в формализме». Собственно, конструктивистов ругали всё-таки меньше — они увлекались не столько формой, сколько функциональностью проектируемых помещений. Рационалистам также предъявили обвинение в увлечении психоанализом, который не признавался в СССР.

Н. Ладовский, всеми забытый, умер в 1941 году, хотя у него был неплохой шанс стать одним из ведущих сталинских архитекторов (он был автором наземного павильона метро «Красные ворота».

Конструктиви́зм — советский авангардистский метод (стиль, направление) в изобразительном искусстве, архитектуре, фотографии и декоративно-прикладном искусстве, получивший развитие в 1920 — нач. 1930 годов.

Характеризуется строгостью, геометризмом, лаконичностью форм и монолитностью внешнего облика. В 1924 году была создана официальная творческая организация конструктивистов — ОСА, представители которой разработали так называемый функциональный метод проектирования, основанный на научном анализе особенностей функционирования зданий, сооружений, градостроительных комплексов. Характерные памятники конструктивизма — фабрики-кухни, Дворцы труда, рабочие клубы, дома-коммуны указанного времени.

То творческое мировоззрение, что принято называть конструктивизмом в пределах архитектурного стиля, проявилось несколько раньше, чем непосредственно в архитектуре. Конструктивизм, как и функционализм с рационализмом, принято относить к понятию «современная архитектура».

Конструктивизм принято считать русским (советским) явлением, возникшим после Октябрьской революции в качестве одного из направлений нового, авангардного, пролетарского искусства, хотя, как и любое явление в искусстве, он не ограничивается рамками одной страны. Так, провозвестником этого стиля в архитектуре явилась ещё Эйфелева башня, сочетающая в себе элементы как модерна, так и конструктивизма

Как же возникло это принципиально новое направление?

В условиях непрекращающегося поиска новых форм, подразумевавшем забвение всего «старого», новаторы провозглашали отказ от «искусства ради искусства». Отныне искусство должно было служить… производству.

Большинство тех, кто впоследствии примкнул к течению конструктивистов, были идеологами так называемого «производственного искусства». Они призывали художников «сознательно творить полезные вещи» и мечтали о новом гармоничном человеке, пользующемся удобными вещами и живущем в благоустроенном городе.

Помимо вышеуказанного направления на становление конструктивизма оказали огромное влияние футуризм, супрематизм, кубизм, пуризм и другие новаторские течения 1910-х годов, однако социально обусловленной основой стало именно «производственное искусство» с его непосредственным обращением к текущим российским реалиям 1920-х.

Термин «конструктивизм» использовался советскими художниками и архитекторами ещё в 1920 году, однако впервые он был официально обозначен в 1922 году в книге Алексея Михайловича Гана, которая так и называлась — «Конструктивизм».

А. М. Ганом провозглашалось, что «…группа конструктивистов ставит своей задачей коммунистическое выражение материальных ценностей… Тектоника, конструкция и фактура — мобилизующие материальные элементы индустриальной культуры».

То есть явным образом подчёркивалось, что культура новой России является индустриальной.

Важной вехой в развитии конструктивизма стала деятельность талантливых архитекторов — братьев Леонида, Виктора и Александра Весниных. Они пришли к осознанию лаконичной «пролетарской» эстетики, уже имея солидный опыт в проектировании зданий, в живописи и в оформлении книг. (Они начали свою карьеру ещё в эпоху Модерн).

Впервые архитекторы — конструктивисты громко заявили о себе на конкурсе проектов здания Дворца Труда в Москве. Проект Весниных выделялся не только рациональностью плана и соответствием внешнего облика эстетическим идеалам современности, но и подразумевал использование новейших строительных материалов и конструкций.

Следующим этапом был конкурсный проект здания газеты «Ленинградская правда» (московского отделения). Задание было на редкость сложным — для строительства предназначался крохотный участок земли — 6x6 м на Страстной площади,Стадион «Динамо», Москва. Здание газеты «Известия», Жилой дом, Ленинград, Невский пр.146, (1935), арх. И. А. Вакс, Харьковский Госпром,

Дом правительства в Минске.

Функционализм — направление в архитектуре XX века, требующее строгого соответствия зданий и сооружений протекающим в них производственным и бытовым процессам (функциям). Возник в Германии (школа "Баухауз") и Нидерландах (Я. Й. П. Оуд). Используя достижения строительной техники, функционализм дал обоснованные приёмы и нормы планировки жилых комплексов (стандартные секции и квартиры, "строчная" застройка кварталов торцами зданий к улице).

«Пять признаков функционализма»:

Философия стиля — «форма определяется функцией». В области жилой архитектуры заключена в знаменитом постулате Ле Корбюзье: «Дом — машина для жилья». Критики концепции функционализма характеризуют её негативную составляющую следующим набором эпитетов: «Безликость „серийности“, бездуховность, серость и искусственность бетона, угловатость параллелепипеда, грубость и минимализм внешней отделки, стерильность и кольчужная враждебность кафельной плиточности. Контраст между циклопизмом внешних размеров и микроскопическими внутренними помещениями и окнами, что делает дома этого стиля похожими на ульи».

Функционализм и другие стили

 

Постконструктивизм — введённое С. О. Хан-Магомедовым название для «промежуточного» стиля советской архитектуры в период 1932—1936 гг., когда под влиянием политических и идеологических факторов происходил переход от конструктивизма к сталинскому ампиру. Поскольку от начала проектирования до завершения строительства проходит несколько лет, знания в стилистике постконструктивизма строились вплоть до 1941 года. В эту же эпоху многие здания, первоначально выстроенные в стилистике конструктивизма, были перепроектированы в новом декоративном оформлении.

Некоторые исследователи предпочитают говорить не о постконструктивизме, а о советском варианте стиля ар деко.

Предпосылки возникновения

В начале 1930-х годов творческая жизнь в СССР была точным отражением тех процессов, которые происходили в обществе в целом. 28 февраля 1932 года было издано постановление «Об организации работ по окончательному составлению проекта Дворца Советов». Распределение конкурсных призов дало понять, что рационалистам и конструктивистам больше рассчитывать не на что — пристрастия Сталина к классической архитектуре теперь играли гораздо бо́льшую роль, чем прославляемая в 1920-е целесообразность и «пролетарская аскетичность форм».

Особенности стиля

Преобладавшая в период постконструктивизма тенденция в творчестве архитекторов — стремление к умеренному «обогащению» внешнего облика зданий, преодолению «излишнего аскетизма» архитектуры авангарда. В постконструктивистских зданиях сохраняются некоторые элементы конструктивистского стиля: прямоугольные парапеты на крышах; сплошное вертикальное остекление лестничных клеток; акцентуация углов зданий, решаемых в виде вертикальных стеклянных фонарей. В то же время характерными приёмами формирования архитектурного образа становятся: кессонированные своды арок; развитые дополнительные карнизы с находящимся над ними верхним этажом-аттиком; открытые обходные лоджии с колоннами на верхнем этаже; безордерные колонны квадратного сечения; использование имитационной рустики, настенных изображений в технике сграффито и ярких цветов в сочетании с непременным белым.

Лофт - Интерьер жилья в бывшем фабричном здании

Лофт - тип жилища, переоборудованное под жильё помещение заброшенной фабрики, другого здания промышленного назначения. Слово loft означает «чердак», в США так называют еще и верхний этаж торгового помещения или склада, но сам стиль может присутствовать практически в любом помещении.

История

«Лофт» имеет чисто американское происхождение и берет свое начало от фабричных построек, складов и мастерских. Идея использования заброшенных мануфактур под жилье и рабочие помещения возникла уже в сороковых годах в фабричном районе Манхэттена. Тогда цены на землю в центре города поползли вверх, — промышленные предприятия стали выводить на окраины. Освободившиеся площади охотно занимают люди искусства, привлеченные как функциональными характеристиками жилья (высокие потолки, хорошее освещение), так и низкими, по сравнению с обычными квартирами, арендными ставками. Пройдя путь от мастерской до стильного помещения, лофты оказались на пике моды к 1950-м годам. Именно здесь сосредотачивается артистическая жизнь Нью-Йорка. Модные художники открывают в лофтах свои галереи и студии. Хрестоматийный пример — «Фабрика» Энди Уорхола. Вскоре за оригинальным жильем окончательно закрепился статус элитного. Снимать большие площади в историческом центре города, в зданиях уже близких к тому, чтобы за давностью лет получить статус памятника архитектуры, молодым художникам оказалось не по карману. Их место заняли успешные адвокаты и финансисты.

Цвета

В стиле лофт обычно используются цвета холодных оттенков (металлический, синий и т.д.). Отличительная особенность в цветовой палитре стиля лофт в том, что часто, для контраста, одну из 4-х стен делают другого цвета, например 3 стены в одной комнате кирпичные, а одна покрыта металлической штукатуркой. Такой эффект нужен для распределения зон в комнате.

Мебель

Мебель в основном металлическая или покрашенная «под металл», но используется также деревянная мебель светлых и темных тонов. Мебель в стиле лофт обычно проста и функциональна. Мебель часто выполняет роль перегородок (стен) между комнатами, т.е. разделяет пространство на части.

Архитектурные детали

Особое внимание в стиле лофт заслуживают детали. Это все наследие фабричного прошлого: лестницы, различные трубы, системы вентиляций, заводские приспособления и т.д. Также стоит обратить внимания на окна. Окна должны быть, по возможности, широкими и высокими (до пола) без занавесок, тюля и штор. Это необходимо для максимально освещения интерьера. Для искусственного освещения часто используются навесные люстры.

Современность

Сейчас стиль «Лофт» становится популярным и в России. В Москве, Петербурге, Чебоксарах и Екатеринбурге уже построены (и находятся на стадии проектирования) бизнес-центры и жилые комплексы в этом стиле. Однако в настоящее время в России застройщикам подчас проще снести старый завод или фабрику и построить на освободившемся месте новое здание. Лишь немногие из них решаются браться за реконструкцию исторических (но не охраняемых государством) построек. Так же популярна «стилизация» частных апартаментов под «лофт».

Арт-пространство

Бывшие промышленные пространства с их огромными площадями и высокими потолками используются не только для жилья, но и для организации многофункциональных культурных центров с выставочными залами, кафе, ресторанами, офисами, концертными площадками. Фабрика Энди Уорхола дала старт тенденции, захлестнувшей всю Америку, а затем и Европу. Примерами европейских лофтов, существующих в формате культурных центров, сдающих часть своих помещений под офисы, шоу-румы, рестораны, ателье, танцевальные студии и т.д., являются CABLE FACTORY в Хельсинки, MELKWEG в Амстердаме, TEA FACTORY в Лондоне, SUPERSTUDIO в Милане, Лофт Проект ЭТАЖИ и Креативное пространство ТКАЧИ в Санкт-Петербурге, «Лофт» в Екатеринбурге. Каждый из этих и многих других проектов представляет собой переоборудованное дизайнерами и архитекторами индустриальное пространство.

Баухауз - Интернациональный стиль — ведущее направление модернистской архитектурной мысли периода 1930-1960-х гг. Пионерами интернационального стиля были Вальтер Гропиус, Петер Беренс и Ханс Хопп в Германии, наиболее яркими и последовательными представителями — Ле Корбюзье (Франция), Мис ван дер Роэ (Германия-США) и Якобус Ауд (Нидерланды).

Эстетика интернационального стиля требовала отказа от национальных культурных особенностей и всяческих разновидностей исторического декора в пользу прямых линий и других чистых геометрических форм, лёгких и гладких поверхностей из стекла и металла. Излюбленным материалом стал железобетон, в интерьерах ценились широкие открытые пространства. Это была архитектура индустриального общества, которая не скрывала своего утилитарного предназначения и способности экономить на «архитектурных излишествах». Неофициальным девизом движения был предложенный Мис ван дер Роэ парадокс: The less is more («чем меньше — тем больше»).

В послевоенное время типичным воплощением идеалов интернационального стиля были геометрически отточенные небоскрёбы Мис ван дер Роэ, Филипа Джонсона и Бэй Юймина. Ле Корбюзье эволюционировал в сторону более скульптурного подхода к архитектуре, при котором подчёркивалась грубая структура бетона (так называемый «брутализм»). Интернациональный стиль проник в архитектурно консервативные страны, где появились свои «поэты железобетона» — Пьер Луиджи Нерви в Италии и Оскар Нимейер в Бразилии. Отдали дань эстетике этого направления и такие индивидуалистические мастера «органической архитектуры», как Фрэнк Ллойд Райт и Алвар Аалто.

Отход от интернационального стиля наметился в 1950-е гг. в произведениях Эро Сааринена, а в 1970-е гг. с критикой на ограниченность и «скучность» этого подхода обрушился основоположник архитектурного постмодернизма — Роберт Вентури.

Фабрика Фагус (Гропиус, 1911-13), Рабочий посёлок Вайсенхоф (Ауд, 1927), Дом радио в Кёнигсберге (Ханс Хопп, 1927), Баухаус в Дассау (Гропиус, 1929), Штаб-квартира ООН (коллектив авторов, 1950), Сигрэм-билдинг (Мис ван дер Роэ и Филип Джонсон, 1958).

Ар-деко - варианты: ар деко, арт деко, арт-деко (фр. art déco букв. «декоративное искусство», из Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes — «Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств» 1925 г. Париж) — течение в декоративном искусстве первой половины XX века, проявившееся в архитектуре, моде и живописи. Представляло собой синтез модерна и неоклассицизма. Отличительные черты — строгая закономерность, этнические геометрические узоры, роскошь, шик, дорогие, современные материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа, алюминий, редкие породы дерева, серебро). В США, Нидерландах, Франции и некоторых других странах ар-деко постепенно эволюционировал в сторону функционализма

Международная выставка, прошедшая в 1925 году в Париже и официально называвшаяся «Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes», дала жизнь термину «ар-деко» . На этой выставке миру были показаны предметы роскоши французского производства, доказавшие, что Париж остался интернациональным центром стиля и после Первой мировой войны. Золотой медалью был награждён художник Вадим Меллер за своё оформление спектакля в театре «Березіль».

Само направление ар-деко существовало и до открытия выставки в 1925 — это было заметное течение в европейском искусстве 1920-х гг. Американских берегов оно достигло только к 1928 году, где в 1930-х оно преобразовалось в Streamline Moderne — американизированное ответвление ар-деко, ставшее визитной карточкой этого десятилетия.

Париж оставался центром стиля ар-деко. В мебели его воплощал Жак-Эмиль Рульманн — самый известный из дизайнеров мебели той эпохи и, возможно, последний из классических парижских ébéniste (краснодеревщиков). Кроме того, характерны работы Жана-Жака Рато, продукция компании «Süe et Mare», ширмы Айлин Грей (Eileen Gray), изделия из кованного металла Эдгара Брандта, металла и эмали швейцарца еврейского происхождения Жана Дюнана, стекло великого Рене Лалика и Мориса Марино, а также часы и ювелирные изделия Cartier.

Символом Art Deco в декоративно-прикладном искусстве стала скульптура из бронзы и слоновой кости. Вдохновляясь «Русскими сезонами» Дягилева, искусством Египта и Востока, а также технологическими достижениями «века машин», французские и немецкие мастера создали уникальный стиль в малой пластике 1920-х — 1930-х гг., который поднял статус декоративной скульптуры до уровня «высокого искусства». Классическими представителями Art déco в скульптуре считаются Дмитрий Чипарус, Клер Жан Робер Колине, Поль Филипп (Франция), Фердинанд Прайсс, Отто Поэрцель (Германия), Бруно Зак, Дж. Лоренцль (Австрия). Крупнейшая коллекция скульптуры из бронзы и слоновой кости в России принадлежит Русскому Дому Art déco и насчитывает более 700 уникальных произведений.

Хотя термин ар-деко возник в 1925 г., он не был часто употребляемым до смены отношения к этой эпохе в 1960-х. Мастера стиля ар-деко не входили в некое единое сообщество. Движение считалось эклектичным, находившимся под влиянием нескольких источников, например:

Мастера ар-деко любили использовать такие материалы, как алюминий, нержавеющая сталь, эмаль, инкрустации по дереву, кожа акулы и зебры. Мы видим смелое применение зигзагообразных и ступенчатых форм, широких и энергичных кривых линий (в отличие от мягких текучих кривых модерна), мотивов шеврона и клавиш фортепьяно. Некоторые из этих декоративных мотивов стали повсеместными, например, узор клавиш, который встречался в дизайне дамской обуви, батарей отопления, лекционных залов Радио Мьюзик Холла (Radio City Music Hall) и шпиля небоскреба Крайслер билдинг. В этом стиле охотно оформлялись интерьеры кинотеатров и океанских лайнеров, таких как «Иль де Франс» (Ile de France) и «Нормандия» (Normandie). Ар-деко был стилем роскошным, и считается, что это роскошество — психологическая реакция на аскетизм и ограничения в годы Первой мировой войны.

Стилевым направлением, которое развивалось параллельно с ар-деко и близко к нему примыкало, был Streamline Moderne (название от англ. «streamline» — «линия обтекания», термина из области аэродинамики, характеризующего такие внешние формы машин и механизмов, которые обеспечивают им наилучшую функциональность и скорость при движении или полете). В «Стримлайн Модерн» мы находим все большее влияние промышленных штамповочных, а также аэродинамических технологий, которые брали начало от развития науки и предметов массового производства, приводя к тому, что в произведениях этого стиля появились очертания самолетов или револьверных пуль — тех предметов, для которых так важны линии обтекания. Когда дизайн первого автомобиля фирмы Крайслер, пущенного в массовую продажу «Chrysler Airflow» в 1933 г. оказался популярным, формы, использующие «линии обтекания» стали использоваться даже для таких предметов, как точилки карандашей или холодильники. В архитектуре признаками этого стиля являются скругленные углы, применявшиеся преимущественно для зданий на автомобильных развязках.

Некоторые исследователи считают ар-деко вариантом или ранней формой модернизма.

Ар-деко незаметно исчез после подъема массового производства, когда к нему стали относится как к кричащему, безвкусному и поддельно-роскошному. Окончательный конец этому стилю положили лишения Второй мировой войны. В колониальных странах, таких как Индия, ар-деко стал воротами к модернизму и не исчезал до 1960-х гг. Возрождение интереса к ар-деко в 1980-х гг. было связано с графическим дизайном, а ассоциации ар-деко с лентами в стиле «фильм нуар» (film noir) и очарованием 30-х гг. привели к тому, что его стали вновь использовать в ювелирном искусстве и моде.

Небоскреб компании «Крайслер» в Нью-Йорке, «Морской дом»  на набережной Ванкувера, Жилые дома в Черновцах.

Органическая архитектура — течение архитектурной мысли, впервые сформулированное Луисом Салливеном на основе положений эволюционной биологии в 1890-е гг. и нашедшее наиболее полное воплощение в трудах его последователя Фрэнка Ллойда Райта в 1930-е — 1950-е гг.

В противоположность функционализму, органическая архитектура видит свою задачу в создании зданий и сооружений, раскрывающих свойства естественных материалов и органично вписанных в окружающий ландшафт. Сторонник идеи непрерывности архитектурного пространства, Райт предлагал подвести черту под традицией нарочитого выделения здания и его составных частей из окружающего мира, доминировавшей в западной архитектурной мысли со времён Палладио. По его мнению, форма здания должна каждый раз вытекать из его специфического назначения и тех уникальных условий среды, в которых оно возводится.

В практическом плане, спроектированные Райтом «дома прерий» служили естественным продолжением окружающей природной среды, подобно эволюционной форме естественных организмов. Наиболее влиятельным представителем органической архитектуры в Европе был финн Алвар Аалто. Индивидуализм органической архитектуры неизбежно вступал в противоречие с потребностями современного урбанизма, и неудивительно, что основными памятниками этого направления были загородные особняки. В 1950-е гг. и Аалто и Райт стали отходить от органической архитектуры и проектировали здания в интернациональном стиле.

Всплеск интереса к органической архитектуре в начале XXI века связан со становлением эстетики био-тека, которая, в отличие от Райта, признаёт возможность и значимость прямых внешних аналогий архитектурных форм с формами органической природы.

«Дом под водопадом» (арх. Ф. Л. Райт, 1935).

Сталинский ампир - Советский монументальный классицизм, или «сталинский ампир» (от фр. empire — «империя» и по аналогии с ампиром) — лидирующее направление в архитектуре, монументальном и декоративном искусстве СССР с середины 1930-х до середины 1950-х годов. Пришёл на смену рационализму и конструктивизму. Получил распространение в годы, когда страной руководил И. В. Сталин, особенно — в послевоенное время, когда он был распространён также и в странах Восточной Европы.

Краткая характеристика стиля

Советская архитектура по мнению специалистов имеет три ключевых периода:

Кроме этого произошёл переход от личного творчества, когда проекты имели своих авторов к коллективному творчеству, когда авторами проектов становились не отдельные архитекторы, а предприятия.

Отличительные черты стиля:

Возникновение и развитие стиля

В середине 1930-х годов в советской архитектуре произошёл постепенный переход от конструктивизма к «сталинскому ампиру». Этот переходный период можно назвать постконструктивизмом. Некоторые здания этого времени, внешне богато декорированные, сохраняли в своей планировке и деталях конструктивистскую основу. «Советский монументальный классицизм» был в целом сформирован к концу 30-х годов.

В 1934 году создаётся Академия архитектуры СССР и Союз архитекторов СССР, который объединяет творческие силы для решения новых задач, поставленных перед мастерами. Это создание Дворцов Культуры, спортивных комплексов, индустриальных центров, санаториев и пионерских лагерей. Архитекторы в этот период работают в больших творческих мастерских и научно-исследовательских проектных институтах, объединяющих конструкторов, зодчих и художников, которыми руководят лидеры советской архитектуры. Многие проекты создаются в результате всесоюзных конкурсов.

В целом «сталинский ампир» сформировался в период проведения конкурсов на проекты Дома Советов и павильоны СССР на Всемирных выставках 1937 года в Париже и 1939 года в Нью-Йорке. Конкурсы проходили в несколько этапов, при открытом обсуждении, и выявили ярких талантливых художников. Победитель конкурса — Б. М. Иофан, оптимистическое звучание произведений которого стало яркой страницей предвоенной архитектуры. Мастера, получившие вторые, третьи премии, и их ученики — Г. П. Гольц, И. В. Жолтовский, Л. В. Руднев, М. А. Минкус, впоследствии возглавили это архитектурное направление

Уже в период Великой Отечественной войны архитекторы начинают работать над проектами восстановления разрушенных городов, мемориалами и триумфальными арками для встречи советских героев. В художественном образе этих произведений был оптимизм победы, в которую верили архитекторы и которую все ожидали.[3]

В 1945 году страна приступила к восстановлению разрушенных городов. Архитектура стала одним из приоритетных направлений народного хозяйства. Архитектурное произведение должно было внушать уверенность зрителям в скором восстановлении всей страны. Яркими примерами являются Главное здание МГУ, комплекс павильонов ВСХВ, здание МИД СССР на Смоленской-Сенной площади.

Примеры сооружений в разных городах

 

Брутали́зм - (под данным термином подразумевается обычно новый брутализм, или необрутализм — англ. New Brutalism) — направление (стиль) в архитектуре периода 1950-х — 1970-х годов, первоначально в архитектуре Великобритании. Одна из ветвей послевоенного архитектурного модернизма.

Отправной точкой брутализма считаются проекты и теоретические писания архитекторов-англичан Элисон и Питера Смитсонов. Стиль имел распространение практически во всех странах Европы и мира, в том числе в США, Канаде, Японии, Бразилии, странах Скандинавии и др.

Термин «брутализм» употреблен первоначально Элисон и Питером Смитсонами в их теоретических записках и статьях, в которых они объясняли свои взгляды и свои архитектурные творения начала 50-х годов. Происходит термин от французского «béton brut» — «необработанный бетон». Это выражение, с помощью которого Ле Корбюзье описывал технологию обработки наружных поверхностей здания, примененную им во многих его постройках послевоенного периода. Термин получил широкое распространение после того, как британский архитектурный критик Райнер Бэнем использовал его в названии своей книги «Новый брутализм — этика или эстетика?», 1966 г., в которой описал постройки определенного архитектурного характера, в Европе, в частности.

Характеристика

Эстетически брутализм вписывается в контекст европейского модернизма 50-70-х годов (в сфере пластических искусств — в кино, фотографии, графике, скульптуре, оформлении интерьеров) — с его поисками новых средств выразительности. Это, в частности, интерес к локальному цвету, пластичной броской «модернистской» форме, остро-выразительным фактурам. Декларативной лёгкости и приглаженности «интернационального стиля» брутализм противопоставил впечатляющую мощь конструкций и объемов, смелые крупномасштабные композиционные решения. Например, одна из популярных тем у бруталистов, часто используемая в проектах административных и общественных зданий — это ступенчатая пирамида, перевернутая основанием вверх и приподнятая над землей на пилонах (Посольство Великобритании в Риме, 1971. Арх. сэр Бэзил Спенс).
Подобные идеи одухотворялись верой в новые строительные технологии, в частности, в неисследованные еще возможности такого нового строительного материала, как армированный бетон. Пластичность бетона, его «скульптурные» возможности очень привлекали архитекторов-бруталистов.

Основные признаки стиля:

Ле Корбюзье и Великобритания

Непривычный для Британии, (где традиционным строительным материалом был красный кирпич), после 1945 года железобетон стал символом надежд для нового, послевоенного поколения архитекторов. Одним из формальных приемов брутализма считается подчеркнутая фактурность бетонных поверхностей, не отделанных после распалубки ни штукатуркой, ни облицовкой, ни покраской («бетон-брут») — излюбленный метод Ле Корбюзье конца 40-х — начала 50-х годов.

Хотя сам Ле Корбюзье не построил в Великобритании ни одного здания, его проекты и постройки оказали самое непосредственное влияние на британских бруталистов. Что неудивительно, поскольку практически все его проекты после 1945 года легко вписываются в категорию брутализма. Например, расположенные в предместье Парижа дома Жауль, построенные из простого красного кирпича, его «Жилая единица» в Марселе, характерный пример нового «коллективного жилья» (1947-52), а также здания, построенные им в Чандигархе и Ахмадабаде в 1950-60-х годах.
Одним из определяющих факторов необрутализма стали новые послевоенные градостроительные идеи, предложенные и разработанные, в частности, тем же Корбюзье в его многочисленных проектах Современного города. Жилой комплекс Alton West Estate, в Роэгемптоне, Лондон (1954—1959, арх. London County Council Architects Dept), почти буквально воспроизводит урбанистические предложения Ле Корбюзье — как в общей планировке, так и в архитектуре жилых зданий, напоминающих уменьшенные копии Марсельского блока.

Ле Корбюзье вполне может считаться духовным отцом этого направления, хотя формально этот титул принадлежит его оппонентам по CIAM, молодым архитекторам из Лондона Элисон и Питеру Смитсонам. Общий смысл предложений этих молодых архитекторов из группы Team-X, известных своей реформаторской деятельностью по обновлению CIAM (Congrès International d’Architecture Moderne), выражался в их призывах отказаться от некоторой механистичности подхода раннего модернизма — в пользу более широкого и, в конечном счете, более гуманистичного взгляда на архитектурный заказ:

«Брутализм старается противостоять обществу массового производства, пытаясь извлекать строгую поэзию из сложных и мощных действующих сил».

Многие из архитекторов, сторонников этого направления, придерживались взглядов, близких социал-реформаторству, выделяя среди достоинств бруталистской архитектуры не только дешевизну строительства (особенно актуальную в первые послевоенные годы), но и безоговорочную антибуржуазность этого стиля.

Бруталистские здания и жилые комплексы, выстроенные целиком из бетона, суровые, лишенные регионального своеобразия, бескомпромиссные в своей программной чистоте, не всегда воспринимались в Великобритании (да и в других странах тоже) однозначно. К тому же не все постройки были равного качества — какие-то из них были более удачными, какие-то — неудачными и непопулярными. В 70-80-х годах, когда во многих странах наступила реакция против модернистской архитектуры, бруталистская архитектура принимала на себя нередко всю тяжесть этой критики.

Наиболее известные сооружения брутализма в Великобритании

Примеры брутализма в мировой архитектуре

Брутализму отдали дань многие корифеи современной архитектуры — например, Фрэнк Ллойд Райт (музей С.Гуггенхейма в Нью-Йорке, 1956), Алвар Аалто (комплекс городского центра в Сяюнятсало, Финляндия, 1952), Луис Кан (здания Национальной Ассамблеи в Дакке, Бангладеш, 1962-75; Индийский институт менеджмента в Ахмадабаде, Индия, 1960-65). А также другие известные архитекторы:

Брутализм в СССР

Влияние брутализма дошло и до советской архитектуры, особенно проявившись в 1970‑х — начале 1980‑х годов. В частности, в Москве в этом стиле были построены:

 

Хай-тек - (англ. hi-tech, от high technology — высокие технологии) — стиль в архитектуре и дизайне, зародившийся в недрах позднего модернизма в 1970-х и нашедший широкое применение в 1980-х. Главные теоретики и практики хай-тека (по большей части практики, в отличие от архитекторов деконструктивизма и постмодернизма) в основном англичане — Норман Фостер, Ричард Роджерс, Николас Гримшоу, на каком-то этапе своего творчества Джеймс Стирлинг и итальянец Ренцо Пиано.

Истоки

Для становления концепций хай-тека очень важна деятельность группы «Аркигрэм», перенёсшей идеи поп-арта и научной фантастики 1960-х гг. в архитектуру. Также важны с технологической стороны работы Б. Фуллера (геодезические купола; с конца 1960-х по 1983 год он сотрудничал с Н. Фостером), О. Фрея, разрабатывавших кинетические структуры.

Хай-тек, согласно классификации Ч. Дженкса, относится к позднему модернизму, то есть его характеризуют прагматизм, представление об архитекторе как элитном профессионале, обеспечение архитектурой обслуживания, сложная простота, скульптурная форма, гипербола, технологичность, структура и конструкция как орнамент, анти-историчность, монументальность. Практически все архитектурные критики вслед за Дженксом архитекторов хай-тек называют новым поколением модернистов, так как, несмотря на иронию 1970-х, они не порывают с традициями европейской архитектуры, они не спорят с Витрувием: их произведения очень функциональны, удобны, и в них есть своя красота. Но если хай-тек — пик модернизма, даже шире — пик идеи «современности» в архитектуре, в таком случае хай-тек можно считать поэтичным завершением целой эпох

Ранний хай-тек

Одним из первых важных осуществлённых сооружений хай-тека принято считать Центр Помпиду в Париже (1977), построенный Ричардом Роджерсом и Ренцо Пиано. Поначалу проект был встречен в штыки, но к 1990-м годам споры утихли, и Центр стал одной из признанных достопримечательностей Парижа (как некогда Эйфелева башня).

В Англии реальные хай-тек здания появились позже. Первые лондонские сооружения в стиле хай-тек были построены только лишь в 1980—1990-х годах (здание компании Ллойдз, 1986). В какой-то мере медленная реализация современных проектов в духе хай-тека в Англии была связана с политикой принца Чарльза, развернувшего тогда активную деятельность в рамках архитектурного конкурса на реконструкцию Paternoster Square (1988). Принимая участие в архитектурных дебатах, принц выступил в поддержку новых классицистов и против архитекторов хай-тек, называя их постройки уродующими лицо Лондона. Ч. Дженкс призывает «королей оставить архитектуру архитекторам», даже высказывается мнение, что начинается новая волна монархизма с диктатурой принца в архитектуре

Современный хай-тек

Хай-тек уже с 1980-х гг. выражал престижность (все здания хай-тек очень дорогие), Ч. Дженкс называет их «банковскими соборами», можно даже говорить о том, что современный хай-тек формирует имидж крупнейших коммерческих фирм. В Лондоне архитектурные дебаты вокруг хай-тека утихли, а наиболее яркие его представители признаны и пользуются уважением (Норману Фостеру присуждено звание рыцаря).

Начиная с 1990-х гг. хай-тек все чаще пытается соединиться с природой, не спорить с ней, но войти в диалог. Таким образом, постепенно хай-тек перерастает в био-тек и эко-тек (особенно это заметно в работах архитекторов родины хай-тека — Англии и итальянца Р. Пиано).

Основные черты

 

Деконструктивизм — направление в современной архитектуре, основанное на применении в строительной практике идей французского философа Жака Деррида. Другим источником вдохновения деконструктивистов является советский конструктивизм 1920-х гг. Для деконструктивистских проектов характерны визуальная усложнённость, неожиданные изломанные формы, подчёркнуто агрессивное вторжение в городскую среду.

В качестве самостоятельного течения деконструктивизм сформировался в конце 1980-х гг. (работы Питера Айзенмана и Даниэля Либескинда). Теоретической подоплёкой движения стали рассуждения Деррида о возможности архитектуры, которая вступает в конфликт, «развенчивает» и упраздняет саму себя. Дальнейшее развитие они получили в периодических изданиях Рема Колхаса. Манифестами деконструктивизма считаются пожарная часть «Витра» Захи Хадид (1993) и музей Гуггенхейма в Бильбао Фрэнка Гери (1997), Современное крыло королевской галереи Онтарио в Торонто (арх. Д. Либескинд), Центр обработки данных MIT.

 

Био-тек — архитектурное движение, находящееся пока на стадии написания манифестов. В противоположность хай-теку, архитектурная выразительность конструкций зданий био-тека достигается заимствованием природных форм. Однако, прямое копирование природных форм не приносит положительных результатов так как в архитектурном сооружении появляются нефункциональные зоны. Следует отметить, что концепция био-тека предполагает не только опосредованное, но и прямое использование форм живой природы в архитектуре (в виде элементов природного ландшафта, живых растений).

Данное движение находится в процессе становления и его исследовательская составляющая преобладает над практической. Главное противоречие архитектурной бионики: консервативная прямоугольная планировка и конструктивная схема зданий противостоит биоморфным криволинейным формам, оболочкам, самоподобным фрактальным формам. Достойное эстетическое и экономически-оправданное решение этого противоречия — одна из основных задач био-тека.

Родственные термины

Архитекторы-практики био-тека

Лондонский «Огурец» (арх. Норман Фостер) называют манифестом био-тека, Национальный космический центр Великобритании (арх. Николас Гримшоу), Город искусств и наук, Валенсия (арх. Сантьяго Калатрава), Художественный музей Милуоки (арх. Сантьяго Калатрава).

На верх страницы